Stücke

In einem eigensinnigen, subtilen Solo verwandelt sich die italienische Performerin Chiara Bersani in ein Einhorn. Ihr Manifest: „Ich, Chiara Bersani, 98 cm groß, verkünde selbst Fleisch, Muskeln und Knochen des Einhorns. Da ich sein Herz nicht kenne, werde ich versuchen, ihm meinen Atem und meine Augen zu geben.“ Eine minimalistische, präzise gearbeitete Choreografie über Blicke und Zuschreibungen. Und wie man sie erwidert oder elegant unterläuft.

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Von und mit Chiara Bersani Sounddesign F. De Isabella Lichtdesign Valeria Foti Bühnenmeister Paolo Tizianel Dramaturgische Beratung Luca Poncetta, Gaia Clotilde Chernetih Bewegungscoaching Marta Ciappina Künstlerische Beratung Marco D'Agostin Maske Elisa Orlandini Produktionsleitung Eleonora Cavallo Verwaltungsberatung Chiara Fava Kommunikation Giulia Traversi Ph. Roberta Segata courtesy centrale fies Produktion Associazione Culturale Corpoceleste_C.C.00# Koproduktion Santarcangelo Festival, CSC – Centro per la Scena Contemporanea (Bassano del Grappa) mit Unterstützung von Centrale FIES (Dro), Graner (Barcellona), Carrozzerie | N.o.T. (Roma), CapoTrave/Kilowatt (Sansepolcro).
ResiDance XL - luoghi e progetti di residenza per creazioni coreografiche azione della Rete Anticorpi XL - Network Giovane Danza D'autore coordinata da L'arboreto - Teatro Dimora di Mondaino Audiodeskription und Haptic Access Tour Xenia Taniko Dwertmann, Gravity Access Services, Berlin

Wer in das Stück „Exposure“ geht, ist zehn Minuten lang mit Jo Bannon allein. Wie nehmen wir andere wahr? Wie werden wir gesehen? Bannons Eins-zu-Eins-Performance ist eine Arbeit über die Dunkelheit, den Blick und darüber, sich und andere in einem anderen Licht zu sehen. Die Künstlerin stellt sich selbst aus. Und ermöglicht nicht nur einen Blickwechsel mit ihr, sondern auch der Zuschauenden mit sich selbst.

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Von und mit Jo Bannon Dramaturgie Sue Palmer Stimme deutsche Version Kathleen Morgeneyer Produktion MAYK Beauftragt von Rules & Regs Koproduktion Rules & Regs, South Hill Park Mit Unterstützung durch Dartington Hall Trust, In Between Time, The Basement, Bristol Ferment, Residence, Royal West of England Academy, Arnolfini, BAC

Jeder Körper ist ein Speicher von Wissen, und jede Geschichte hat einen Tanz. Der Tänzer und Choreograf Sindri Runudde verbindet persönliche Erfahrungen und Songs zu sieben Tänzen. Diese haben jeweils ein bestimmtes Ziel. Der Choreograf verschreibt sie als mögliche Heilmittel gegen spezifische Symptome oder Probleme. Eine Hommage an den Nährwert von Tanz und Bewegung in fabelhaft metaphorischen Bekenntnissen.

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Mit Emelie Enlund, Iki Gonzalez Magnusson, Ellen Söderhult, Sepideh Khodarahmi, Marvil Iglesias Choreografie, Komposition Sindri Sinkalonkan Runudde Musikproduktion Markus Almkvist Sounddesign Julia Giertz Musik Niklas Niki Blomberg, Robert Moon Smith Lichtdesign Ulrich Ruchlinski / imULto Maske, Dramaturgie Juli Apponen Illustration Ida Engström Künstlerische Beratung, Redaktion Fridan Sandström Produktion Patricia Vázquez Iruretagoyena, Emma-Cecilia Ajanki Mit Unterstützung von Kulturrådet, Riksteatern, Region Skåne, Konstnärsnämnden, Inkonst, EMS, Stadsteatern i Skärholmen, MDT, DOCH, Uniarts Stockholm, Dansstationen, Danscentrum Syd, Subtopia und Slingan Tour als Teil des SMart Produktionshus

Ein Spiel mit Männlichkeits-Stereotypen, das seit seiner Premiere im Dezember regelmäßig für ausverkaufte Vorstellungen sorgt: Humorvoll und musikalisch hinterfragen die Performerinnen von hannsjana und Theater Thikwa soziale Rollen, Geschlechter-Identitäten und den Umgang mit dem eigenen Körper. Das Stück ist inspiriert von den Drag-Workshops der Künstlerin Diane Torr. Die Theatralität eigener und fremder Privilegien wird zum Ausgangspunkt für Witze, Wut und (Selbst-)Ermächtigung.

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Von Laura Besch, Sabrina Braemer, Alice Escher, Jule Gorke, Jasmin Lutze, Laura Rammo, Mereika Schulz, Katharina Siemann, Marie Weich Mit Jonas, John „Piggy“ Travolta, Dr. Ronald Steinhöfel, Philipp, Klaus, Michael Kunze, Marc, Joe Konzept hannsjana Bühne Marie Weich, hannsjana Kostüm Heike Braitmayer Lichtdesign Julian Besch Sounddesign Marie Weich, Laura Besch Technik Holger Duhn, Eric Scheller Produktionsbegleitung, Tontechnik Klaus Altenmüller

Der brasilianische Künstler Marcos Abranches verwendet in dieser Tanzperformance seinen eigenen Körper, um abstrakte Bilder zu schaffen, die an das Action Painting von Jackson Pollock oder an Allen Kaprows Happenings erinnern. Auf der Bühne verschmilzt er mit Formen und Farben, wird gleichzeitig Pinsel und Leinwand, in einer endlosen Landschaft aus Klang, Bewegung und Farben.

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Regie, Konzept und Performance Marcos Abranches Dramaturgische Beratung Sandro Borelli Assistenz Maria Julia Toffuli Sounddesign, Ton- und Lichttechnik Pedro Simples Produktionsleitung Solange Borelli - RADAR CULTURAL Management and Projects

Berlin steht für eine Vergangenheit behinderter, queerer Menschen, die schwer zu ertragen ist. In Perels Show wird diese dunkle Geschichte mit der Gegenwart zusammengedacht und dafür der Begriff vom „lebens(un)werten Leben“ ge-cript, der vom Dritten Reich verwendet wurde, um die Ausrottung behinderter Menschen zu begründen. Perel eröffnet die Show mit geistreichem Humor zum Thema individueller Repressionen, gefolgt von einem Interview mit dem Special Guest Kenny Fries. Im Anschluss ist das Publikum eingeladen, darüber mitzudiskutieren, wie man von einem historischen Verständnis der Vergangenheit mit persönlicher Kraft, Stärke und den richtigen Verbündeten in eine bessere Zukunft gelangen kann.

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Von und mit Perel Special Guest Kenny Fries Dramaturgie Noa Winter Produktion NO LIMITS Festival Berlin

Cherophobia ist das Fachwort für einen emotionalen Zustand der “Angst vor Fröhlichkeit oder Glück”. Die Künstlerin Noëmi Lakmaier nimmt diesen zum Ausgangspunkt für ein poetisches Spektakel des Stillstands: 20.000 heliumgefüllte Luftballons braucht es, um ihren gebundenen Körper in einer 10 Stunden langen Performance hochzuheben und im HAU1 schweben zu lassen. Das vielleicht langsamste Tanzstück der Welt, und die kleinste und zugleich großzügigste, ja verschwenderischste Geste des Festivals. Kommen und Gehen ist jederzeit möglich.

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Von und mit Noëmi Lakmaier Ursprüngliche Produktion Unlimited für das Unlimited Festival London 2016 Dank an PITTSBALLOON GmbH und Qualatex Europe

In ihrer Durational Performance befasst sich die Schwedische Künstlerin Anna Berndtson sechs Stunden lang mit ihren persönlichen Grenzen. Unendlich langsam bahnt sie sich in einer Landschaft voller Tennisbälle mit Hilfe ihres weißen Stockes den Weg. Die Arbeit weckt Assoziationen zu Leistungssport und Geschwindigkeits-Standards. Sie berührt auch das "kollektive Trauma" und den Leistungsdruck auf viele schwedische Kinder in den 1970er und 80er Jahren, der nächste Björn Borg zu werden.

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Von und mit Anna Berndtson

Drei Frauen arbeiten hart. Aus Haushaltsgegenständen und einem subtilen Zittern entwickeln sie eine Choreografie, die opernhafte Melodramatik und wabernde Zustände des Nichteinverstandenseins, von Beben und Ausbrüchen produziert. Welche Rolle spielt die Notwendigkeit von Schmerz in persönlichen und sozialen Umbrüchen? Und wer zahlt den Preis? „We are fucked“ ist ein ebenso subtiles wie ekstatisches, so euphorisches wie unversöhnliches Tanzstück über die Schwerstarbeit, in einer Welt zu leben, die nicht für einen gemacht ist.

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Entwickelt & gespielt von Louise Ahl, Jo Bannon, Rosana Cade Konzept Jo Bannon Dramaturgie Sue Palmer Yas Clarke Lichtdesign Jo Palmer Produktionsleitung Mark Munday Mentorin Claire Cunningham Übertitel The Difference Engine Film, Photographie Paul Samuel White Produktion MAYK Beauftragt und unterstützt von Unlimited Gefördert durch Arts Council England Mit Unterstützung von Residence, Arnolfini Audiodeskription und Haptic Access Tour Emmilou Rößling, Gravity Access Services, Berlin

Was unterscheidet uns von Pflanzen? Wie entfremdet sind wir ihnen in einer Zeit, da wir sie mehr denn je brauchen? In einer Seance im Stil des späten 19. Jahrhunderts kehren behinderte und nicht-behinderte Performer*innen ihr Innerstes nach Außen und stürzen sich selbstbewusst mit Tanz und Gesang in ein Grenzgebiet der Genres, das unerwartete Erkenntnisse, in jedem Fall aber die große Show birgt – irgendwo zwischen Surrealismus, Dada und Musical.

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Von und mit Nico Altmann, Martin Clausen, Deniz Dogan, Karol Golebiowski, Torsten Holzapfel, Frank Schulz, Makiko Tominaga Regie Gerd Hartmann, Martin Clausen Bühne Isolde Wittke Kostüm Heike Braitmayer Lichtdesign Katri Kuusimäki Koproduktion zeitraumexit/Mannheim Audiodeskription und Haptic Access Tour Emmilou Rößling, Gravity Access Services, Berlin

In zwölf Kunst-Aktionen (nach den paradoxen Rätseln des Zen-Buddhismus als Koans bezeichnet) visualisiert und verkörpert der bildende Künstler Matt Bodett verschiedene Seiten von Schizophrenie – einzelne Symptome, die Sprachstruktur, aber auch menschliche Aspekte. Ursprünglich fanden die zwölf Performances verteilt über mehrere Monate statt. Bei NO LIMITS werden sie erstmalig hintereinander weg an einem einzigen Tag präsentiert. Kommen und Gehen ist jederzeit möglich.

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Regie, Performance Matt Bodett Ton, Technische Assistenz Megan Sterling Musiker ("Is : si  ng") Fredrik Kinbom Koproduktion NO LIMITS Festival Berlin Mit Unterstützung durch 3Arts, Bodies of Work

Tanz als Spiel: Inspiriert von dem Fischli/Weiss-Kultfilm “Der Lauf der Dinge” verbinden sieben Tänzer*innen Gesten, Sätze und Handlungen auf der Bühne zu Kettenreaktionen. Eine spielerische Form der Kollaboration, in der es um Vertrauen geht, um Flexibilität, Kreativität und Entschlossenheit. Bis dieser zunächst so simpel erscheinende Tanzabend darüber eine Eigendynamik entwickelt, bei der einem bald schon Hören und Sehen vergehen.

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Mit Gavriela Antonopoulou, Giuseppe Comuniello, Alice Giuliani, Nadine McKenzie, Mzamo Nondlwana, Aline Serrano, Laila White Choreografie Alessandro Schiattarella Künstlerische Mitarbeit Susanne Schneider Choreografische Assistenz Kihako Narisawa Dramaturgie Jonas Gillmann Licht Thomas Giger Technik Martin Kündig Musik Marco Guglielmetti Kostüm Salome Egger Administration Dominique Cardito Produktionsleitung Kathrin Walde Produktion BewegGrund, Cinquantatré Koproduktion Roxy Birsfelden, Dampfzentrale Bern Gefördert durch Fachausschuss Tanz und Theater BS/BL, Pro Helvetia, Swisslos - Kultur Kanton Bern, Béatrice Ederer-Weber Stiftung, Christoph Merian Stiftung, Ernst Göhner Stiftung, Kultur Stadt Bern, MBF Foundation, Pro Infirmis, Stanley Thomas Johnson Stiftung, Brändli-Stiftung, Burgergemeinde Bern, Migros Kulturprozent, Stiftung Corymbo, Sulger Stiftung, Wilhelm und Ida Hertner-Strasser Stiftung

Eine humorvoll dokumentarische, inklusive Boulevardtheater-Show über eine bunt zusammengewürfelte Familie, die nicht gerade der Norm entspricht. Und die genau deswegen unsere Gesellschaft widerspiegelt: Stillstand und Wandel, Geborgenheit und Albtraum, Erwartung und Enttäuschung. Es geht um Eifersucht, Konkurrenz, Solidarität, Halt und  Gemeinschaft. Und gleichzeitig um alle möglichen individuellen Bedürfnisse. Kurz: Um eine Familie im eigentlichsten, besten und chaotischsten Sinn.

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Mit Hanni Westphal, Martina Kolbinger-Reiner, Yukie Koji, Annegret Janisch, Erwin Slepcevic, Karoline Wesiak, Sandra Lipp, Andreas Semlitsch Regie Hanspeter Horner Regieassistenz Victoria Fux Konzept, Dramaturgie Hanspeter Horner, Martina Kolbinger-Reiner, Hanni Westphal Choreografie Yukie Koji Musik Andreas Semlitsch Bühne Christina Weber Kostüme Sasa Krhen Technik, Video Nina Ortner Koproduktion NO LIMITS Festival Berlin, “InTaKT“ Festival Graz Gefördert durch Land Steiermark, Stadt Graz Kultur, ÖAR

In schwindelerregend schönen Bildern erlebt man diesen zwei kurzen Filmen die Ensemblemitglieder der legendären inklusiven Compagnie Création Ephémère in schauspielerischer Bestform. ŒDIPE lässt zentrale Momente aus dem Leben des antiken Ödipus verdichtet wie in einem Traum in der heutigen Zeit Revue passieren. LES ORACLES zeigt ihn bei den Orakeln von Delphi, unnachahmlich verkörpert von den Kantor-Zwillingen Lesław und Wacław Janiccy.

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ŒDIPE [deutsch: Ödipus] - Mit Gisèle Boyer, Jean Paul Delaitte, Roméo Dupuy, Jeanine Durand, Jean Pierre Escalle, Simon Faro, Tederik Ferrer, Laura Flahaut, Philippe Flahaut, Marie des Neiges Flahaut, Claude Gaz, Florence Hugo, David Kammenos, Théo Kermel, Guillaume Labaylette Lespy, Claire Laurent, Pascal Lenoir, Marie Christine Leperlier, Augustin Letelier, Kévin Perez, Vincent Perez, Benjamin Rouquet, Serge Roussel, Jacques Sarrazin, Christine Soret, Pascal Soudan, Jacques Soustelle, Mélanie Thierry, Marcello Tiffou, François Tomsu, Joël Vidal, Soane Wuatelet Drehbuch, Regie, Kamera, Schnitt Tito Gonzalez Garcia Schauspielerführung Philippe Flahaut Kostüme Florencia Grisanti

LES ORACLES [dt.: Die Orakel] - Mit Gaël Comeau, Lesław Janiccy, Wacław Janiccy, Théo Kermel Drehbuch, Kamera Tito Gonzalez Garcia Schauspielerführung Tito Gonzalez Garcia, Philippe Flahaut Productionsleitung Kevin Perez Kostüme Florencia Grisanti Schnitt Gael Comeau Ton Sergio Henriquez Assistenz Katarzyna Krotki Musik SAAAD

Mit den Insass*innen einer geschlossenen Anstalt probt der Marquis de Sade die Revolution. Wer lehnt sich gegen wen auf? Wer bestimmt was? Und wer darf wen repräsentieren? Die Performancegruppe Monster Truck inszeniert das berühmte Stück von Peter Weiss mit Bochumer Amateur-Darsteller*innen als Spiel im Spiel zwischen Inklusion und Exekution, Stadttheater und Behindertenwohnheim, Macht und Ohnmacht. Nonsens statt Konsens. Macht kaputt, was euch kaputt macht!

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Von und mit Daniel Beisbart, Jörg Eiben, Rolf Fey, Manuel Gerst, Alexandra Kamulski, Ralf Kons, Roswitha Kons, Anne Nilson, Sahar Rahimi, Lino Reifferscheidt, Nicole Schnippenkötter, Sabine Schrader, Mark Schröppel, Sandra Siewert, Dasniya Sommer, Renate Stahl, Andreas Stebner, Lukas von der Lühe Regie, Bühne, Kostüme Monster Truck Dramaturgie Tobias Staab Theaterleitung der Lebenshilfe Ulrike Schweinitz Betreuung Cornelia Barke Produktionsleitung ehrliche arbeit Koproduktion Schauspielhaus Bochum und NTGent In Zusammenarbeit mit Lebenshilfe Bochum e.V. Mit Unterstützung der Psychiatrischen Klinik Bochum-Ehrenfeld Gefördert im Fonds Doppelpass der „LOGO" durch die Kulturstiftung des Bundes

In Vulkanasche erstarrte Menschen in Pompeji dienten als Inspiration für ein Tanzstück, dass die Grenzen zwischen Körpern und Identitäten, Leben und Tod verwischt. Zugleich drängen sich Vergleiche auf zwischen den versteinerten Figuren und der erstarrten sozialen und politischen Situation in Südafrika. Ein großer, visuell und musikalisch eindrucksvoller Abend.

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Choreografie Themba Mbuli Performer*innen Andile Vellem, Nadine Mckenzie, Siphenathi Mayekiso Sängerin Babalwa Makwetu Skulpturen Enock Mpofu Kostüme Shiba Sopotela Bühnenbild Themba Mbuli Lichtdesign Bamanye Yeko Mit Unterstützung von Artscape Theatre Centre, Dance Forum South Africa, British Council Cape Town Audiodeskription und Haptic Access Tour Simone Detig, Gravity Access Services, Berlin

In ihrer Lecture-Performance 4 LEGS GOOD, halb Vortrag, halb Tanzsolo, beschreibt und zeigt Claire Cunningham, wie sie ihre Krücken künstlerisch gebraucht und zweckentfremdet, mit ihnen experimentiert, und wie sie ihre Kunst beeinflussen. Die Frage, was alles in der Kombination der Krücken mit ihrem Körper und anderen Körpern möglich ist, hat sich in ihrer Arbeit dabei nach und nach zu der Frage verschoben, auf welche Weise die Krücken sie mit der Welt verbinden.

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Vortrag Claire Cunningham Mit Unterstützung von Creative Scotland

Drei Tanzstücke über das Erinnern, eigens entwickelt für das NO LIMITS Festival in einer einmaligen Zusammenarbeit von drei inklusiven Tanzcompagnien aus der Schweiz, aus Spanien und Deutschland. Persönliche Werdegänge, Erfahrungen, Erinnerungs-Schnipsel werden Teil der eigenen Körperlichkeit, verdichten sich zu bewegten Bildern, lösen Assoziationen aus. Denn “in allen Köpfen schwirrt die Erinnerung” (Neele Buchholz) – was genau aber macht sie mit uns, oder lässt sie uns machen?

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Choreografie Neele Buchholz, Corinna Mindt, Antonio Quiles, Susanne Schneider Tänzer*innen Neele Buchholz, Jaime Garcìa, Alice Giuliani, Kilian Haselbeck, Esther Kunz, Corinna Mindt, Antonio Quiles, Oskar Spatz Dramaturgische Assistenz Esmeralda Valderrama Vega, Lars Mindt Produktionsleitung tanzbar_bremen / Tim Gerhards Fotos, Video Leon Buchholz, Daniela Buchholz Projektionen Studierende der HfK Bremen Kostüm Katja Fritzsche mit den Tänzer*innen Eine Koproduktion für das NO LIMITS Festival Berlin 2019, entwickelt von Danza Mobile, BewegGrund und tanzbar_bremen im Rahmen des Projektes connect, gefördert durch die Aktion Mensch In Zusammenarbeit mit Dampfzentrale, etage Bremen, steptext dance project

Angesiedelt im Grenzbereich zwischen Tanz, Gespräch, Klangkunst und bildender Kunst zeigt die südafrikanische Tanzgruppe Unmute zwei autobiografische Soli. Die beiden Stücke überlagern sich, beziehen sich aufeinander und treten miteinander in Dialog. Sie hinterfragen die Schubladen und Zuschreibungen, die Menschen mit einer Behinderung nach wie vor gefangen halten. Die Lebensbedingungen der beiden behinderten Tänzer*innen in einer nicht-inklusiven Gesellschaft führen dabei zu allgemeinen Fragen von Zugehörigkeit und Unabhängigkeit.

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Regie Themba Mbuli Choreografie, Tanz Nadine Mckenzie, Siphenathi Mayekiso Skulpturen Enock Mpofu Kostüme Themba Mbuli Bühne, Lichtdesign Themba Mbuli Mit Unterstützung von Artscape Theatre Centre, Dance Forum South Africa, British Council Cape Town Audiodeskription und Haptic Access Tour Mirjam Soegner, Gravity Access Services, Berlin

Mit Mitteln des klassischen Tanzes und japanischer Fesseltechniken untersuchen eine Ballerina und eine Top-Juristin körperliche und soziale Muster der Verbindung, Ermächtigung und Einschränkung. Mit Seilen, Körpern und Durst nach Adrenalin beginnen sie ein Duell nach allen Regeln der Kunst. In dem sich die Zeit zu dehnen beginnt oder stillsteht. Das letztlich aus der Not seine Form findet. Und in dem die ungleichen Gegnerinnen irgendwann fast eins werden.

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Tanz Silke Schönfleisch, Dasniya Sommer Choreografie Dasniya Sommer Dramaturgische Mitarbeit Melmun Bajarchuu Sounddesign Martyna Poznanska Koproduktion Grenzenlos Kultur Theaterfestival Mainz, Sophiensæle Berlin Audiodeskription und Haptic Access Tour Mirjam Soegner, Gravity Access Services, Berlin

Aktionskunst reloaded: Drei Performer mit Down-Syndrom entleeren 100 Liter Rübensaft auf 100 weiße Hemden. Und malen sich anschließend ihre Gesichter und Körper damit an. Zu Horrorfilmmusik und den live in ein Mikrofon geraunten Handlungsanweisungen der Choreografin Tiziana Pagliaro, ebenfalls mit Down Syndrom, beginnt eine minimalistische, halluzinogene Tanz-Performance in Zeitlupe, die das Gros der üblichen “inklusiven” Tanzarbeiten mit Menschen mit kognitiver Behinderung geradezu bieder aussehen lässt.

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Mit Noha Badir, Remo Beuggert, Gianni Blumer, Matthias Grandjean, Tiziana Pagliaro Choreografie Tiziana Pagliaro Lichtdesign Roger Studer Licht, Ton Remo Beuggert

Performance, mess, musings, cups of tea, glitter and protest: Ein deutsch-britisches Festival im Festival als utopischer Zwischenraum. Nachwuchskünstler*innen mit und ohne Behinderungen präsentieren Tanz-Skizzen, Live- und Sound-Art, Videos, interaktive Formate und Gesprächsrunden – gegen die Wahrnehmung der Welt in binären Gegensätzen und für eine radikal selbst bestimmte künstlerische Praxis. Kommen und Gehen ist jederzeit möglich.

Mit Angela Alves, Gareth Cutter & Gemma Nash, Hamish MacPherson & Kimberley Harvey, Jemima Hoadley, Josefine Mühle, Julie Cleves & Robbie Synge, Laura Lulika & Hang Linton, Rowan James, Silke Schönfleisch, Tamara Rettenmund & Akiles, Tanja Erhart & Katharina Senk, Vicky Malin, Welly O’Brien Kuratiert von Kate Marsh und Anna Mülter Produktion NO LIMITS Festival Berlin, Metal (UK) In Kooperation mit Sophiensæle Berlin

In ihrer Video-Arbeit zeigt die britische Choreografin und Performerin Alexandrina Hemsley verschiedene Gesichter von sich selbst. Gesichter, die sich überlagern, widersprechen, Gesichtsausdrücke produzieren, Masken bilden. Und mit denen sie jeweils versucht, deckungsgleich zu werden. Dabei berührt sie Fragen von Identität, von Selbst-Bildern und den Versuchen, einem Bild zu entsprechen – oder, im Gegenteil, Zuschreibungen zu entkommen.

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Kamera, Performance Alexandrina Hemsley

In drei Videos dokumentiert der Performer Dejan Šuljan seinen Alltag. Der erste Film zeigt Szenen, in denen er hinten bei seinem Vater im Auto sitzt. Im zweiten richtet er die Kamera auf sich selbst und nimmt nachts Tagebuch-Gedanken auf. Im dritten filmt er Dinge vom Bildschirm seines Computers ab, die er gern anschaut.

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Videos Dejan Šuljan Entwickelt auf Einladung von Saša Asentić Produktion Per.Art

In einem abstrakten Raum, einem unendlichen weißen Labyrinth, sucht der antike Ödipus nach einer Antwort auf die Frage: Wer sind meine Eltern? Ein kurzer Film über unser Gedächtnis, unsere Ursprünge und die Unvermeidbarkeit, die zu töten, denen wir unsere Herkunft verdanken.

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Mit Gaël Comeau, Lesław Janiccy, Wacław Janiccy, Théo Kermel Drehbuch, Kamera Tito Gonzalez Garcia Schauspielerführung Tito Gonzalez Garcia, Philippe Flahaut Productionsleitung Kevin Perez Kostüme Florencia Grisanti Schnitt Gael Comeau Ton Sergio Henriquez Assistenz Katarzyna Krotki Musik SAAAD

Eine Auswahl von Videos und Filmen von Dennis Seidel, einem bei NO LIMITS 2015 und 2017 gefeierten Gesamtkunstwerker jenseits der Norm und Autor queerer Kultstücke wie „Ordinary Girl“, „Der Tag, an dem Kennedy ermordet wurde und Mimmi Kennedy Präsidentin wurde“ und „Zehn Meter in den Wilden Westen“.

Zu sehen sind folgende Video-Arbeiten:

• In Christina Johnsons Welt (aus „Zehn Meter in den wilden Westen“, Kampnagel 2019)
• Christina Johnssons Befreiung (aus „Zehn Meter in den wilden Westen“, Kampnagel 2019)
• Jeansjacke ( aus „Von den Amöben zum Bösen“, Reeperbahn-Festival 2016)
• Nadine (aus dem Projektraum, 2016)

Von und mit Dennis Seidel und vielen anderen Produktion Meine Damen und Herren/barner 16, Hamburg